OLVIDADOS MAGAZINE

Vicky Cristina Barcelona (Woody Allen) 2008

2008-10-07T08:16:00.000Z

Después del revuelo que se montó hace cosa de un año en el centro de Barcelona cuando el equipo de Woody Allen vino a rodar a los lugares más característicos de la ciudad con Scarlett Johansson y compañía, era inconcebible que se estrenara esta película y no fuera a verla. A pesar de no ser un gran admirador de las películas de Woody Allen (ahora mismo no sé si he visto alguna además de ésta), la verdad es que me hacía gracia ver una producción cinematográfica rodada y ambientada en las calles de mi ciudad natal.

“Vicky Cristina Barcelona” trata sobre la delirante experiencia vivida por dos amigas estadounidenses de personalidades diametralmente opuestas durante sus vacaciones en la Ciudad Condal. Vicky (Rebecca Hall) es una mujer sensata, con las ideas muy claras y unos principios éticos y morales muy marcados, que viaja a Barcelona para terminar su tesis sobre la cultura catalana mientras su novio, un joven hombre de negocios (Chris Messina), le espera en Nueva York para casarse con ella y comprase un piso. Cristina (Scarlett Johansson) es todo lo contrario, una persona bohemia, emocionalmente inestable, sin oficio y sin beneficio, que acompaña a Vicky a Barcelona porque no tiene nada mejor que hacer. Las vidas de ambas cambiarán cuando conozcan a Juan Antonio Gonzalo (Javier Bardem), un pintor ovetense afincado en Barcelona que acaba de terminar de forma desastrosa su relación matrimonial con Maria Elena (Penélope Cruz).

En toda la historia (que no voy a contar) pueden verse tres choques o enfrentamientos que son básicos para la trama y que generan la mayoría de las situaciones humorísticas de la película. Por un lado están los caracteres antagónicos de Vicky y Cristina, el primero de ellos de corte conservador y el segundo totalmente liberal, independiente y anárquico. Por otro lado está la contraposición entre la sociedad capitalista, cómoda y segura a la vez que aburrida, y la vida bohemia, divertida y emocionante pero mucho más inestable e incluso en ocasiones peligrosa. Por ultimo está la convivencia entre la fría y práctica cultura americana y la temperamental cultura española.

Personalmente, de las cosas que más me han gustado de la película han sido los personajes de Penélope Cruz y Javier Bardem. Las discusiones entre ambos y los gritos de neurótica de Penélope Cruz me parecieron sencillamente geniales y totalmente creíbles además de cómicos. Seguro que el hecho de verla en versión original habrá ayudado a ello porque no me quiero ni imaginar cómo debe ser ver a Javier Bardem y a Penélope Cruz, dos actores con una voz tan característica, discutiendo con otras voces que no sean las suyas.

Dejando a un lado los aspectos puramente argumentales e interpretativos, la película es toda ella una verdadera guía turística de Barcelona. Cualquier extranjero que desee visitar Barcelona a partir de ahora, básicamente deberá hacer dos cosas: comprarse una guía Lonely Planet en cualquier librería y ver “Vicky Cristina Barcelona”. Se nota que el Ayuntamiento de la capital catalana ha soltado la gallina pero bien soltada.

Para acabar, decirle a todo aquel que haya visto el “trailer” y le atraiga ir a verla por presenciar a Javier Bardem y a Scarlett Johansson jincando, que se ahorre el esfuerzo porque la decepción puede ser mayúscula.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet (Tim Burton) 2008

2008-03-15T08:33:00.000Z

Puesto que cualquier cosa que haga va a tener un grandísimo éxito de taquilla y una enorme repercusión mediática, a Tim Burton lo mismo le da hacer una película de muñecos de plastelina animados, que una adaptación cinematográfica de un cómic de superhéroes, que un “remake” de un clásico de la historia del cine, que un film de guión propio. Vamos, que Tim Burton se puede permitir el lujo de hacer lo que le venga en gana porque es una auténtica máquina de generar dinero. El pasado mes de Febrero nos presentó “Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet”, una adaptación del musical de Stephen Sondheim del que, no hace demasiado tiempo, se estrenó una versión protagonizada por Constantino Romero en los teatros españoles.

A grandes rasgos, “Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet” es la historia de una venganza cruel llevada a cabo por Benjamin Barker, un barbero del Londres del siglo XIX, al que tiempo atrás le fue arrebatado todo lo que más quería y que años más tarde regresa convertido en Sweeney Todd para ajustarle las cuentas con sus navajas de barbero a justos y pecadores. Toda la trama es mostrada al espectador a través de diferentes números musicales tratados en clave de humor negro, a los cuales hay que estar muy atento porque sin seguir la letra de los temas uno corre el riesgo de perderse bastante el transcurso de la historia.

Los protagonistas de la película son los omnipresentes en los trabajos de Tim Burton Johnny Depp y Helena Bonham Carter (pareja de Burton) que, al margen de su extraordinaria interpretación de un par de personajes perturbados, sombríos y decadentes a la vez que cómicos, demuestran un gran talento y una fantástica voz en la puesta en escena de los distintos números musicales en los que participan. Ya se darían con un canto en los dientes muchos cantantes profesionales de fama internacional por cantar como Johnny y Helena.

En cuanto a la ambientación, decorados, fotografía, etc., por todos es conocida la genialidad de Tim Burton a la hora de recrear espacios oscuros, tétricos y pseudogóticos como ya hiciera en “Sleepy Hollow”, “Batman”, “Pesadilla antes de Navidad” o “La novia cadáver”. Su visión del Londres de hace un par de siglos como una oscura cloaca es sencillamente magnífica. Si a la oscuridad de las calles le sumamos la palidez de los rostros y el color encarnado de la abundante sangre que aparece a lo largo de toda la película, al verla tenemos la sensación de que no se utilicen más colores que el blanco, el negro y el rojo.

A pesar de la estética del cartel, que nadie espere ver una especie de “Sleepy Hollow 2” porque no tiene nada que ver. “Sweeney Todd” es un musical y para gustarte te tiene que gustar mucho el genero o ser fan de Tim Burton. Si no cumples ninguna de las dos premisas, quizás te aburras como un ostrón.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Locos por el surf (Ash Brannon y Chris Buck) 2007

2008-02-28T18:38:00.000Z

Contra más películas de animación veo, menos claro tengo dónde está el límite en este género. Ya da igual lo que se quiera hacer, todo es posible. No importa si se trata de reproducir piel, pelo, pluma, escama, lava, agua, metal, animales, personas o monstruos porque los resultados van a ser excelentes. En este caso la trama transcurre en la playa y con pingüinos como protagonistas.

“Locos por el surf” cuenta la historia de Cody Maverick, un pingüino de penacho amarillo que vive en un pueblo de la Antártida llamado Frío de Janeiro, cuya pasión es algo tan poco habitual entre sus paisanos como practicar el surf. Un día es seleccionado por una pareja de cazatalentos para viajar a la isla Pen Gu con el fin de participar en el Memorial Big Z, un campeonato homenaje a una de las leyendas del surf pingüinesco a la que Cody admira profundamente. Allí conoce a una serie de personajes como, entre otros, el pollo cubano Joe Chicken que amenizará su estancia en la isla, o la mega estrella Tank Evans con el cual deberá enfrentarse.

La película está tratada como si de un documental sobre la vida de Cody Maverick se tratase. En ella, además de las imágenes de su vida, su preparación y su participación en el campeonato, todos los personajes van siendo entrevistados y van expresando su opinión sobre Cody. Así podemos ver las declaraciones de su madre, su hermano, sus amigos, sus rivales y hasta las de los ancianos de su pueblo o las del público asistente al memorial.

Como en todas las películas de animación producidas en los últimos tiempos, la nota predominante durante toda ella es el humor, un humor socarrón bastante alejado del humor infantil de las antiguas películas de Disney. Si ya de por sí una película de dibujos animados tiene un humor implícito, el hecho de que los protagonistas sean pingüinos, posiblemente los animales más cómicos de toda la fauna terrestre, aún la convierte en mucho más humorística.

Aparte del guión y los personajes, una de las cosas que más me ha impactado de “Locos por el surf” ha sido cómo está hecho el mar. La perfección del agua, las olas y la espuma de sus crestas es tal, que parece de verdad. Por último decir que también se ha hecho un gran trabajo en la selección de los temas que componen la banda sonora, muy adecuada para el ambiente surfero y playero que se pretende recrear.

“Locos por el surf” no es ni de Pixar ni de Dream Works, los dos magnates del cine de animación, es de Columbia Pictures y Sony Pictures Animation. Sin duda alguna es una buena noticia saber que tanto Sony como Columbia también invierten en este género para producir películas de calidad. Contra más haya mejor.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

The Doors (Oliver Stone) 1991

2008-02-17T01:42:00.000Z

Ahora que están tan de moda las “biopics” sobre estrellas del rock y que cada dos por tres leemos la noticia del próximo rodaje de una de ellas (las más nombradas últimamente son las de Kurt Cobain, Blondie o Freddy Mercury), he querido echar la vista atrás y recuperar una de las primeras y más conocidas: “The Doors”.

Aunque la película lleve el mismo nombre que el grupo, perfectamente podría llamarse “Jim Morrison” porque lo que narra es la vida y la muerte del cantante. Interpretado por Val Kilmer, posiblemente lo mejor del film sea la poquísima caracterización que fue necesaria para conseguir un parecido físico entre actor y personaje, a pesar del poco presupuesto que se gastaron en esas pelucas de esparto que lucen los protagonistas. No sé si habrá en todo Hollywood algún actor más apropiado para encarnar al Rey Lagarto que Val Kilmer, pero no me quiero ni imaginar cómo hubiera quedado Tom Cruise como inicialmente había sido propuesto.

Oliver Stone nos presenta a Jim Morrison como un personaje obsesionado con el chamán de una tribu de indios Navajos al que de niño vio morir en un accidente de tráfico en una carretera de Nuevo México; como un ser de otro mundo que vive permanentemente colgado, que no para de decir sandeces las veinticuatro horas del día y cuyo único objetivo en la vida parece que sea ponerse hasta el culo de todo en busca de la muerte. Prácticamente no conozco la carrera de The Doors y mucho menos la biografía de Jim Morrison, pero resulta bastante poco creíble que alguien con ese ritmo de vida llegara alguna vez a grabar seis discos de estudio y a embarcarse en giras de conciertos por Estados Unidos con toda la responsabilidad que ello conlleva. Que Jim Morrison era un megalómano, un fantasioso y que consumía de todo menos caramelos Sugus todos los sabemos, de hecho por algo murió a los veintisiete años, pero la recreación de esa realidad creo que es demasiado exagerada como para ser creíble.

Hablar de argumento en esta película es tontería porque es justo lo que se espera de una película sobre una estrella de rock: sus inicios en el mundo de la música, el encuentro con sus compañeros de banda, los primeros conciertos, las grabaciones de sus primeros discos, la llegada del éxito y la posterior decadencia. Por lo demás, “The Doors” es básicamente un derroche de escenas de sexo, drogas y rock & roll protagonizadas por Jim Morrison. Lo más curioso de la historia es ver como Ray Manzarek, John Densmore y Robbie Krieger, los otros miembros de The Doors, dan muestras de no tragar a Jim Morrison pero tenerlo que soportar por los beneficios económicos que les reportan sus canciones y su caótica personalidad. La parte final, con un Jimbo gordo y barbudo, también tiene su atractivo por ver a Val Kilmer hecho un ceporro.

Supongo que para los que les guste The Doors esta película será el recopetín, pero a mí que ni me gustan musicalmente, ni conocía su biografía, ni me importan un carajo sus letras y su significado, la verdad es que me parece un tremendo aburrimiento.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Corrupción en Miami (Michael Mann) 2006

2007-07-14T01:20:00.000Z

Siempre es agradable recordar viejos tiempos y más aún cuando estos pertenecen a nuestra infancia. Los que crecimos en la década de los 80’s tenemos una serie de referentes televisivos que nos provocan una sonrisa cuando pensamos en ellos y que probablemente tardaremos en olvidar. El Equipo A, V, El Coche Fantástico, El Gran Héroe Americano, El Trueno Azul, El Halcón Callejero o Corrupción en Miami, son algunos ejemplos de aquellas teleseries que marcaron a toda una generación. Muchos nos aficionamos al cine de acción, persecuciones y tiroteos a través de todas estas series y, a pesar de su dudosa calidad argumental, para nosotros tienen su encanto y son sencillamente insuperables. No hay más que ver los índices de audiencia que generan cuando a alguna cadena de televisión le da por reponerlas y la cantidad de foros, páginas de descargas de capítulos y entradas en el YouTube que hacen referencia a cualquiera de ellas para comprobar el gran interés que todavía hoy despiertan.

Pero la cosa cambia por completo cuando no se trata de una reposición sino de un “remake”. En estos casos las comparaciones dejan de ser odiosas para convertirse en inevitables y necesarias, porque lo que no tiene perdón de Dios es que un “remake” cinematográfico de una serie de televisión realizado 20 años después del original pueda llegar a tener peor calidad que cualquiera de los episodios de la propia serie. Puesto que todo el trabajo de ambientación y desarrollo de personajes y del trasfondo ya está hecho, y la captación del público nostálgico está más que asegurada, ¿qué menos se puede pedir que el argumento de la película y el despliegue de medios sea lo que marque la diferencia con respecto a la serie? Lamentablemente no ha sido lo que ha ocurrido con Corrupción en Miami, un completo sacrilegio que al contrario que su madre televisiva jamás pasará a la historia.

En esta película Sonny Crockett (Colin Farell) y Ricardo Tubbs (Jamie Foxx), dos detectives de la Brigada Antivicio de la Policía de Miami, se infiltran en una de las redes de narcotráfico más importantes de toda Latinoamérica para tratar de acabar con ella desde dentro haciéndose pasar por contrabandistas y ganándose la confianza del capo Montoya (Luis Tosar) gracias a la perfección de sus servicios. Así, sin más. Si no fuera por el reparto, el que lea esto puede pensar que me he equivocado y que no he visto la película sino un episodio de la teleserie bajado del Emule, pero no, este es el argumento del film y cualquiera que haya visto más de tres películas de este estilo podrá imaginarse el desenlace final. Evidentemente las lanchas, los coches deportivos, las avionetas, los teléfonos móviles y los dispositivos de vigilancia y espionaje son de última generación, pero por lo demás, por no haber no hay más que un par de tiroteos y un par de escenas de cama (una para cada uno de los protagonistas).

Al margen del argumento, lo que más me hace rechinar los dientes es el reparto. Si Don Johnson y Philip Michael Thomas hacían una pareja perfecta con un punto de humor sarcástico e irónico entre ellos, aquí Colin Farell y Jamie Foxx están más sosos que una mata de habas. En el caso de Colin Farell, al cual todavía no sé de donde le viene el renombre y el prestigio como actor porque siempre pone la misma cara de capullo, no parece ni la mitad de duro de lo que debería ser Sonny Crockett. Por lo que respecta a Jamie Foxx, más que un detective parece un portero de discoteca. Pero el peor personaje de todos es el Teniente Castillo... ¿Cómo se les ocurre poner al afroamericano Barry Shabaka Henley encarnando al Teniente Castillo? Por el amor de Dios, esas cosas no se hacen...

Si bien es cierto que tampoco se pueden pedir enrevesadas tramas argumentales a una película basada en la serie Corrupción en Miami, estoy más que seguro de que todos hemos visto más de siete u ocho películas con más intriga, más acción y mejores mamporros que los que se pueden ver aquí. En definitiva, una lamentable adaptación, totalmente innecesaria, que no hace más que agrandar mucho más a la mítica serie original.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Bandidas (Joachim Roenning y Espen Sandberg) 2006

2006-09-19T18:15:00.000Z

No sé cómo tengo cojones de reseñar esta película porque si la reseño quiere decir que la he visto. Seré sincero, no sólo la he visto sino que además la he visto en el cine pagando por ello. Sé que no es excusa, pero he de decir para limpiar un poco mi imagen que fui a verla con amigos, en un ambiente distendido y festivo, con el único fin que pasar la tarde, y la verdad es que la cartelera en verano no daba muchas más opciones. El caso es que la vi y aquí estoy para contarlo.

La trama de la película es bien sencilla, mejor dicho, bien simple. María Álvarez (Penélope Cruz) es la hija de un humilde campesino mexicano cuyas tierras se encuentran bajo la jurisdicción del gran terrateniente Don Diego. Sara Sandoval (Salma Hayek) es la hija de Don Diego, criada y educada en Europa bajo todo tipo de costumbres y disciplinas de lo más civilizadas (como por ejemplo tomar el té). Ambas cruzan sus vidas cuando se ven desposeídas por la fuerza de sus respectivos patrimonios, debido a un plan del gobierno de los Estados Unidos que pretende hacer pasar el ferrocarril por sus dominios. Sara y María deciden que la mejor forma de ayudar al pueblo oprimido y de recuperar lo que es suyo es robando bancos, consiguiendo así repartir entre sus gentes lo que antes les ha sido afanado, y haciendo replantearse al gobierno de los Estados Unidos el paso del ferrocarril por sus tierras. Para este fin se verán obligadas a someterse a un duro entrenamiento bajo la tutela de un antiguo atracador de bancos retirado, el cual las convertirá en unas temidas y eficaces bandidas. Vamos, Robin Hood a la mexicana y con tetas.

Si el argumento es flojo, la puesta en escena aún lo es más. Penélope Cruz y Salma Hayek están la mar de estupendas, y el director ya se encarga de recordárnoslo con unos impresionantes primeros planos de las dos tomados de escote para arriba, pero la verdad es que ninguna de las dos ganará el Oscar por su trabajo en esta película. También hay que reconocer que los papeles que interpretan tampoco dan para mucho. Mientras que Penélope Cruz da vida a una vulgar campesina sin modales, curtida en el arte de cabalgar y disparar; Salma Hayek encarna a una señorita educada y refinada que no ha tocado un arma en su vida, y que confía más en la educación y en la palabra que en la violencia. Es precisamente esta incompatibilidad de caracteres la que dará origen a la mayoría de los gags supuestamente cómicos de la película, consistentes en las absurdas discusiones de un par de estúpidas adolescentes inmaduras. Por lo que respecta a los personajes secundarios, pues lo de siempre en una película de este tipo, los buenos son muy buenos y muy inteligentes, y los malos son muy malos y muy tontos, nada nuevo.

Si se ha de salvar algo de la película es la ambientación, vestuario, decorados, exteriores y recreación del México de hace un par de siglos. De todas formas, a estas alturas de la industria cinematográfica, tampoco debe de ser muy complicado ni muy caro hacer una película del Oeste y reconstruir un pueblo de la época con su “Saloon”, su “Drug Store”, su depósito de agua y su estación de ferrocarril con locomotora de vapor y todo. Únicamente hay un detalle de ambientación que me hace reflexionar… Si Penélope Cruz representa a una humilde campesina mexicana... ¿De dónde saca el Rimel que lleva en los ojos durante toda la película?...

No seré yo el que recomiende ver Bandidas, ahora bien, el que quiera ver como se asoman por encima del corsé las voluminosas glándulas mamarias de Salma Hayek, esta es su película.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Alatriste (Agustín Díaz Yanes) 2006

2006-09-17T08:12:00.000Z

Sin duda está levantando ampollas, eso no se podrá negar, y no es para menos. Nos encontramos ante una obra que está dejando desconcertados tanto a seguidores como a los que no lo son.

La adaptación única de la múltiple e inacabada saga de Alatriste (Arturo Pérez Reverte) tenía la difícil tarea de condensar las cinco novelas existentes del capitán y sus aventuras. Agustín Díaz Yanes se encarga del guión y dirección. Fotografía a cargo de Paco Femenía y vestuario de la mano, dedal y aguja de Francesca Sartori.

Y lejos de querer reproducir críticas binarias (a favor o en contra) que han proliferado en muchos medios, evitaré así caer en tópicos y soplapolleces de pecata minuta. Por ello pienso que Alatriste pone en jaque mate al mal acostumbrado espectador español. Digo esto porque en los tiempos que nos toca vivir, es imposible pensar que el mero hecho de hacernos observar, pensar y utilizar esa materia gris que algunos tienen y otros ansían es para analizar lo que vemos y lo que nos muestra la película. Alatriste acaba con las previsibles peleas americanas, las colosales llamas, explosiones, guerras y batallas fantasiosamente digitalizadas.

Y es que, señores, en el siglo XVII español se moría, luchaba, vivía, amaba y se jodía uno en esa perra vida de Madrid y el resto del imperio a la manera del capitán. Reflejar esta situación es el mayor logro de la película. Pero claro, el espectador de cine que espera una americanada, el que ve el león gruñir y se imagina una morenaza explosiva española rescatada por un capitán d’Artagñesco y más cuentos de capa y espada facilones, esos, repito, pierden el tiempo. Corran y escapen dejando paso a aquellos que sí quieren ver y conocer nuestro siglo XVII, que contuvo el siglo de oro y que tanto nos otorgó. Para esto sí que sirve Alatriste, porque es ante todo, una película histórica. Casi me atrevería a decir y lo hago, que es un documental de aventuras históricas.

Además se hace difícil criticar una película que el propio creador valora muy positivamente. Pero claro si hablamos en términos de comercialización cinematográfica, no estamos ante una buena película, si no fuera por el fuerte merchandising que se le da claro. Su fuerte no es la acción, ni el guión y muy posiblemente no sea la mejor película para entretener casi dos horas y media al espectador.

Pero cambiemos el chip. Vamos a ver una película que nos quiere transmitir algo más interesante que la mayoría de estrenos semanales. A través de la vida de Alatriste (Viggo Mortensen) se recrean multitud de detalles de ese período histórico, veremos la esencia policromática de las obras de Velázquez. Una ambientación perfecta de las calles madrileñas, de la vida germanesca en escenas de cárcel, de las relaciones de maridaje, de la vida política y ostentosa de un clero secularizado. Hasta asistimos al estreno en una “corrala” madrileña de la obra El perro del hortelano de Lope de Vega o conocemos a un Quevedo (Juan Echanove) en una faceta satírica de la vida política española, en sus continuos ataques al Conde Duque de Olivares (Javier Cámara). El contexto histórico en que se desarrolla la trama es el leitmotiv del film. Un imperio español en crisis. Una estructura social y económica mantenida por débiles hilos de oro traídos de las indias y un ejército que se desangra en Flandes. Génova es la sanguijuela encargada de satisfacer los excesos de la corte y sus múltiples endeudamientos. Y en medio, Alatriste es la máxima representación de un contacto lúcido del pueblo llano con la realidad. Es una clara evocación de cómo malvivía un soldado de los tercios.

Y claro, cuando alguién se percata de que el timbre de voz no es, ni de lejos parecido al de Bisbal o el capitán Sparrow, clama a los cielos de cómo se ha consentido tal aberración. Como si tuviera importancia fuera del pensamiento de un sujeto adicto a los deshechos televisivos.

Por esto le llueven críticas a Díaz-Yanes acusándolo principalmente de haber hecho un guión inconexo, pausado y confuso. Y aunque puede que así llegue a serlo, se olvida que el guión es la adaptación novelesca de la vida de Alatriste. Explicar la gran cantidad de posibles desenlaces en cada episodio de su vida, como algunos propugnan, solo tiene cabida en la creación de una saga cinematográfica.

Esto, posiblemente, desvirturaría la razón de ser de la película, convirtiendose en una comercial historia de aventuras y mitificando precisamente a un personaje perfectamente mimetizado con la soldadesca de la época.

Si conseguimos evitar caer en la búsqueda de una trama que nos narre una historia heroica digna de Hollywood, obtendremos una película con una ambientación, fotografía, vestuario, banda sonora y referencias a un brillante, triste y abandonado episodio nacional que no nos dejará decepcionados ni mucho menos.

De ahí que, al igual que Alatriste, sería fácil hacer una crítica basada en juzgar su mejor o peor comportamiento comercial, en base a supuestos motivos de escasa acción, inconexo montaje o inexistente trama.

Hugo Nuño

Tierra de armarios (Radha Bharadwaj) 1991

2006-01-19T01:24:00.000Z

Se trata de una narración de esas que tanto suelen gustar al espectador con inquietudes, en tanto en cuanto no es una historia cotidiana o sencilla y sí densa hasta el punto de ser masticable.

La tensión en el desarrollo de la película va "in crescendo" hasta dejar exahusto al espectador y todo ello gracias al excelente trabajo de Alan Rickman y en menor medida, aunque también con nota, de Madeleine Stowe.

En el país de las libertades y las oportunidades, una escritora de cuentos para niños es secuestrada por un individuo que no es lo que en un principio podría parecer. Éste someterá a la mujer a torturas físico-psicológicas de las mas duras para hacerse con "la verdad". Esta verdad, si así lo fuese (cada espectador decidirá), es sobrecogedora pues se trata del lavado de cerebro de sus lectores, los cuales cabe recordar que son niños

En esta historia se refuerza de manera clarividente el peso de la imaginación de una persona y el poder mental que se puede llegar a tener en situaciones límites. Y sirve sobre todo para interrogarnos sobre la capacidad de sufrimiento de cada uno en según qué situaciones.

Sin más dilación os la recomiendo a todos de manera ferviente, pues es otra de mis películas "elegidas", ¡ah! eso sí, ya os podréis imaginar lo que vais a ver... cine de ese que algún día alguien denominó "underground" y al que a mí me gusta llamar "raro".

Óscar Martínez (Alinoe)

Cube (Vincenzo Natali) 1997

2006-01-09T21:05:00.000Z

¿Cuántas veces se ha tratado en el mundo de la gran pantalla los abusos y formas de trabajo de la C.I.A.? ¿Cuántas veces has visto una película que no sabes realmente de qué trata? ¿Cuántas veces te has preguntado el por qué de un final y su significado? Pues bien, si estas preguntas te rondan o alguna vez han rondado tu cabeza, no cabe duda que nos encontramos ante "la película".

Cube es algo más que una hora y media delante de una pantalla, es algo más que una simple estructura inicio-desarrollo-final, es, sin ninguna duda, una de mis películas favoritas. El por qué, todavía no lo tengo muy claro, pues ese es un sitio reservado a filmaciones de cotas muy altas como podrían ser "El Padrino", "Apocalypse now" o "Casablanca", pero me da que en ella se dan los ingredientes justos para que algo llame la atención de aquellos con personalidades inquietas que siempre quieren algo más.

Ambientada de manera extraña, la trama se desarrolla en el interior de unas cuantas habitaciones (no hay un solo exterior) casi iguales y con un grupo de actores, los cuales se encuentran con la nada para poder disimular sus carencias interpretativas si es que las tuviesen.

La sinopsis en el caso de "Cube", prefiero no desvelarla, pues es algo que todo aquel afortunado que no la haya visto y no sepa de ella, es mejor que la desmenuce y paladee con tiento y ansia desde la más bella ignorancia.

Tras esta historia de ¿ciencia ficción?, hubo una secuela "Hypercube" y una precuela "Cube zero". Tanto la una como la otra no llegan al clímax que alcanza la primera, pero son sin duda de visionado obligatorio para entender la que nos atañe.

Sé que en esta ocasión más que nunca hablo desde la parcialidad total, pero dejaos aconsejar una vez en la vida y no dejéis escapar la oportunidad de ver "Cube", "Hypercube" y "Cube zero" (¡en ese orden por favor!) de una sentada o en su defecto con pocos días de diferencia.

"Cube", todo un lujo para quienes se gusten en saborear films raros, fantásticos e inquietantes.

Óscar Martínez (Alinoe)

Casshern (Kazuaki Kiriya) 2004

2006-01-06T19:53:00.000Z

En "Casshern" nos encontramos con una de esas películas de ciencia ficción que no es todo lo que podría haber sido. Una historia futurista donde se le da otra vuelta de tuerca a la raza humana del futuro, donde se encuentra a punto de ser arrasada pero encuentra una salvación en la ciencia. Dicha salvación no será del todo fácil, pues como se nos tiene acostumbrados en el mundo del celuloide, surgen determinados problemas, esta vez en forma de una nueva especie, para al final ir a lo de siempre...

La película, sí ha de ser valorada en cuanto a fotografía (todo un lujo) y los efectos especiales sumamente desarrollados por ordenador. Aún con todo lo descrito anteriormente, el film tiene un "no se qué" el cual te mantiene pegado a la pantalla sin poder dejar de mirarla y consigue un resultado visual realmente bueno.

En resumen, una historia a la que se le podría haber sacado más jugo pero con una notable presentación y que es altamente recomendable para pasar el rato y disfrutar de las imágenes que se han conseguido.

Óscar Martínez (Alinoe)

Los chicos del coro (Christophe Barratier) 2004

2005-12-17T21:06:00.000Z

Un trocito de cielo, así se podría definir esta película, pues no encuentro otra manera de hacerlo mejor. Los chicos del coro es, sin duda, un canto a la sensibilidad, la tolerancia y el buen hacer.

Cargada de sentimientos encontrados, narra la historia de un viejo músico fracasado que encuentra su ave fénix en un orfanato formado con niños problématicos (traviesos diría yo) a los que intentará hacer ver la belleza del mundo y de la infancia. En su cabeza sólo vive la idea de ayudar a los querubines y no encuentra mejor manera de hacerlo que a través de su pasión, la cual había llegado a desterrar de su vida, la música.

En este drama se exponen de manera muy sutil todas aquellas personalidades que predominan en la infancia, desde la introversión, pasando por la rebeldía hasta la ingenuidad y la bondad. En los papeles adultos también hay unos caracteres muy marcados, la intolerancia, la preocupación, la inseguridad y la compasión.

Esta facturación franco-suiza, sería asemejable a "El club de los poetas muertos" en cuanto a la relación (entendida de otra manera puesto que los alumnos son de mucha menos edad) entre profesor y alumnos.

Premiada y aclamada en diferentes festivales europeos es, una visión del cine que se está perdiendo; un cine sin sexo, sangre ni violencia.

En definitiva, una buena ocasión para pasar un rato agradable y volver a sentir aquello a lo que un día llamamos dulzura...

Óscar Martínez (Alinoe)

Los edukadores (Hans Weingartner) 2004

2005-12-11T13:28:00.000Z

Es muy agradable encontrarse de vez en cuando con una película en la que el director tiene algo que decir. Sin duda, un soplo de aire fresco, recibido desde Alemania (últimamente cuna de grandes películas sin demasiado marketing), entre tanto efecto sin sentido, super policías y monstruítos con buen y mal carácter. Este es el caso de "Los edukadores", una película cargada enormemente de ideología política y social llevada con mucha elegancia a límites más irreales de lo que en un principio pudiera parecer.

Esta, es la historia conjunta de tres jóvenes idealistas y liberales, y un adulto aburguesado que se ven envueltos en un secuestro que ninguno de ellos quería. Durante este periplo, tanto unos como otro, van intercambiando opiniones de el por qué el mundo tal y como lo conocemos, e incluso sorprendiéndose al estar de acuerdo en muchas más cosas de las que se podrían haber pensado jamás. Es una manera sencilla de mostrarnos cómo somos a determinadas edades y de gritar que mientras haya gente joven el mundo tendrá una oportunidad.

Pero es algo más que todo eso, es también la historia de nuestras vidas, del paso del tiempo, del acomodamiento y el egoísmo de cada uno de nosotros.

Las personas nunca cambian...

Óscar Martínez (Alinoe)

Azumi (Ryuhei Kitamura) 2003

2005-12-07T20:22:00.000Z

El resultado de esta entrega es mas que considerable. Una adaptación del género manga a la gran pantalla, con momentos estelares de cómic, pero con un buen gusto indiscutible, que no hace otra cosa sino mostrarnos que en Japón se trata algo mas que el género de terror.

Azumi es la historia de una de esas "heroínas" japonesas en las que se encuentran todos los valores de la filosofía japonesa. Una niña que, junto a un grupo de compañeros (también infantes), es preparada desde su más tierna infancia para el asesinato de los hombres más poderosos del imperio. Esos hombres, que son tiranos de una tierra donde las riquezas, la opulencia y el bienestar social están reservados a unos pocos elegidos que, como no podía ser de otra forma son partidarios y partícipes del régimen. Para acabar con semejante lacra hay que rodearse de los asesinos profesionales más cualificados, aún teniendo que esperar años para que dichos vengadores estén lo suficientemente preparados.

Pero en esta historia subyace también el sentimiento de soledad que acompaña a este tipo de personas, así como las dudas razonables de si el fin siempre justifica los medios.

En definitiva un conglomerado de katanas, artes marciales, fantasía, saltos imposibles y mucha sangre gratuita (la cual es necesaria para explicar este tipo de narraciones), para dar con un resultado altamente recomendable a todos aquellos amantes de la acción, aventuras e incluso los superhéroes.

Óscar Martínez (Alinoe)

Equilibrium (Kurt Wimmer) 2002

2005-11-29T19:44:00.000Z

"Equilibrium" es una de esas películas que rompen con todo lo establecido. Rodada al mas puro estilo "Matrix" y con toques de dicho film, la historia transcurre en una sociedad futurista donde está prohibido hacer uso de los sentimientos, es decir, la humanidad ha perdido aquello que la diferencia del resto de las especies, los sentimientos (además de la inteligencia obviamente). El gobierno "vela" por la seguridad del pueblo consiguiendo el fin de las guerras, pero a un precio demasiado alto, el control total de dicho pueblo a través de las drogas consideradas legales.

Una película oscura con mucho rollo gótico y una caracterización de los personajes sobresaliente.

La trama es sencillamente magnífica y la película, considerada de culto allá en aquellos países donde han tenido la suerte de recoger su estreno, un 10.

Una lástima que facturaciones de este tipo se nos escapen en este país del folklore y la farándula.

En fin, si eres amante de la ciencia ficción con buen gusto, no deberías dejar pasar la oportunidad de enriquecerte con semejante entrega.

Sentir te hará libre...

Óscar Martínez (Alinoe)

Old boy (Park Chan-Wook) 2003

2005-11-06T12:47:00.000Z

El ambiente que has sabido crear Park Chan-Wook en toda la película roza la esquizofrenia sino fuera por la tan pesada y latente carga de crudeza que rezuma el film.

Desde el mismo momento en que Dae-su OH (Min-sik CHOI) es encerrado en su zulo particular, comienza el desarrollo de una trama que no puede tildarse más que de excelente, intrigante, y que en todo momento mantiene en suspense al espectador.

La venganza es la razón principal y el tema fundamental del film, abundando en ambos lados. Eso sí con buenas dosis intermedias de elementos propios del género del terror. Pero como un caramelo que se envuelve, el dulce se encuentra bien rodeado. La envoltura se enmascara en este caso con el amor y el honor que tan profundamente queda reflejado del país sur-coreano y culturalmente cercanos. El final es realmente dramático y retorcido, muestra de lo cruenta que puede resultar la venganza.

La historia paralela de la búsqueda de la venganza por un daño mútuo causado durante mucho tiempo, es la esencia de la película y entrar en detalles sería desvelar el argumento, y no seré yo quién lo haga.

La habilidad del director para tratar diversos y esenciales características del ser humano es excelente. Logra crear un ambiente cerrado, sin alusiones a elementos externos, retratando la universalidad de la venganza y apenas apoyandose en un trío de actores que representan el lado más odioso y frío del ser humano, Woo-jin LEE (Ji-tae YOO) y a la vez el más impulsivo y vengativo (Dae-su OH), en el que como siempre queda en medio el amor y la inocencia, Mido (Hye-jung GANG).

Cabría preguntarse que haría cada uno cuando el más mínimo grano de arena es capaz de hundirte en la profundidad del océano. Vengarte.

Hugo Nuño

The Blues Brothers: Granujas a todo ritmo (John Landis) 1980

2005-08-25T11:08:00.000Z

Con esto de las ediciones remasterizadas de clásicos del cine en DVD, hoy por hoy cualquier película por antigua que sea se convierte en novedad. En esta ocasión le toca el turno a "The Blues Brothers: Granujas a todo ritmo".

"The Blues Brothers: Granujas a todo ritmo" es una brillante y alocada mezcla entre la comedia, el musical, el cómic, el surrealismo y el videoclip. Para el que no lo sepa, a simple vista (por la carátula más que nada) puede parecer un film de acción de lo más común; pero a medida que va avanzando la trama, uno se da cuenta de que básicamente se trata de una película de acción humorística musical (me acabo de inventar un género).

La película, dirigida por John Landis (conocido entre otras cosas por ser el director de los videoclips de Michael Jackson "Thriller" y "Black or White"), trata sobre las aventuras y desventuras que tienen que pasar Elwood Blues (Dan Akroyd) y Jake Blues (John Belushi), más conocidos como los Blues Brothers, para poder reunir a su antigua banda de música con el fin de conseguir 5000 dólares y así resolver un asunto "divino" (no voy a desvelar nada más). A pesar de lo simple del argumento, no serán pocos los contratiempos (a cual más absurdo) en los que se verán envueltos los Hermanos Blues para conseguir su objetivo.

Entre disparate y disparate se van intercalando diferentes coreografías y actuaciones musicales. Uno de los atractivos de la pelicula es la aparicion de gente de la talla de James Brown, Aretha Franklyn, Ray Charles o John Lee Hoocker interpretando papeles secundarios a la vez que cantan. Al margen de estos cameos, evidentemente hay que mencionar las diferentes actuaciones de los propios Blues Brothers. En ellas, John Belushi a la voz y Dan Akroyd a la voz y a la armónica, interpretan temas clásicos del soul, del jazz, del rock y hasta del country. Verdaderamente no se les daba nada mal esto de cantar y bailar.

Como curiosidad, decir que la nueva versión comercial en DVD es la versión completa del film, es decir, están incluidas todas las escenas que en su momento fueron eliminadas. Este hecho quizás pase inadvertido en la versión original en inglés, pero en la versión en castellano, todos los fragmentos que en su día no fueron doblados no han sido redoblados con voces diferentes a las originales sino que han sido dejados en inglés con subtítulos. Gracias a Dios.

En definitiva, "The Blues Brothers" es una de las películas con las que más me he reído en mucho tiempo aunque haya sido 25 años después de su estreno. Nunca es tarde si la dicha es buena.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Sin City (Robert Rodríguez y Frank Miller) 2005

2005-08-21T08:08:00.000Z

Lo que parecía imposible por fin se ha conseguido. “Sin City”, el cómic del dibujante y guionista Frank Miller, ha sido llevado a la gran pantalla con un asombroso y espectacular resultado. Es posible que el público ajeno a la serie de cómics "Sin City" no entienda muy bien toda la imagen y color de la película, pero todo aquel que alguna vez haya leído o como mínimo hojeado alguno de ellos y apreciado sus tan características ilustraciones, seguro que queda impresionado de la fidelidad con la que Robert Rodríguez, asesorado por Quentin Tarantino, ha sido capaz de llevarlo al cine.

Inspirado en tres números de la serie de cómics del mismo nombre, “Sin City” es un film de acción y cine negro ambientado en los bajos fondos de la Ciudad del Pecado, una ciudad controlada por los políticos y el clero, en la que la corrupción, la prostitución y el crimen están a la orden del día. La película está dividida en tres historias paralelas correspondientes a los tres números de la serie en los que está basada, cada una ellas protagonizada por diferentes actores. Dentro del reparto de la película se encuentran actores como Bruce Willis, Mickey Rourke, Benicio del Toro, Clive Owen, Jessica Alba, Elijah Wood, Rutger Hauer, Brittany Murphy y un largo etcétera.

Con respecto a la interpretación, destacar la magnífica puesta en escena de los protagonistas de cada una de las historias. Bruce Willis, interpretando al agente Hartigan, deja claro que cada vez elige mejor sus papeles y en esta ocasión, como nos tiene acostumbrados últimamente, también lo borda. Mickey Rourke resucita cinematográficamente aunque sea debajo de un perfectísimo maquillaje totalmente fiel a la anatomía facial de Marv, el personaje al cual interpreta. Y por último, Benicio del Toro, prácticamente irreconocible en su papel de Jackie Boy, destapa una nueva faceta como actor consiguiendo unas muecas y expresiones faciales totalmente desconocidas en él hasta el momento. Además de los tres personajes principales de las tres historias, a nadie le dejará indiferente ver a Elijah Wood (el eterno Señor Frodo Bolsón) interpretando a un psicópata masoquista, ni a Jessica Alba moviendo su escultórico cuerpo en una barra americana.

Para terminar, decir que jamás nadie hubiera podido imaginar un resultado tan brillante en una adaptación al cine de un cómic tan difícil de adaptar. Los colores vivos intercalados en el blanco y negro general de la historia, los juegos de siluetas blancas en fondos totalmente negros, el perfecto maquillaje y vestuario con el que los actores de carne y hueso han sido convertidos en auténticos dibujos de Frank Miller, los inquietantes paisajes nocturnos, etc., hacen de esta película una de las mejores adaptaciones al cine de un cómic de las tantas que se han realizado a lo largo de la historia. No en vano, Frank Miller co-dirige junto a Robert Rodríguez esta fenomenal película con la que queda demostrado que si se quiere adaptar un cómic o una novela al cine, lo más importante es que el director encargado de hacerlo sea un amante de aquello que está adaptando, sirvan de ejemplo Peter Jackson con “El Señor de los Anillos” o el nombrado Robert Rodríguez con “Sin City”.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

El experimento (Oliver Hirschbiegel) 2001

2005-06-12T14:43:00.000Z

“El experimento” es, sin duda alguna, una de esas películas que no te deja indiferente.De factura alemana y con un presupuesto no precisamente mareante, la labor de los actores e incluso del director es realmente sobresaliente. Se trata de una historia basada en un experimento sociológico que tuvo lugar hace ya unos 25 o 30 años. Se tomaron 2 grupos de personas (de 10 unidades cada uno) y directamente se les enfrentó, ¿cómo?, pues ni mas ni menos que encerrándolos en una antigua prisión y otorgándole a cada uno un rol; uno de prisionero y otro de carcelero. Con todo esto, pasó lo que tenía que pasar... los unos fueron tomando forma en plan dictador (yo tengo el poder y hago lo que quiero) y los otros en plan rebelde sin causa en unas ocasiones y corderito que agacha las orejas en otras.

No me queda mas que recomendaros esta sobrecogedora historia para que disfruteis y sobre todo, os haga pensar en el por qué del mundo tal y como lo conocemos, pero eso sí, no tendáis a pensar eso no lo haría yo o eso sí, intentad poneos en la piel de cada uno de ellos y luego sed sinceros con vosotros mismos en lo mas profundo de vuestras mentes.

Si habeis disfrutado con películas como “The cube” o “Born natural killers”, no sé que haceis todavía ahí sentados, id a ver esta película ¡ya!.

Óscar Martínez (Alinoe)

Star Wars Episodio III: La venganza de los Sith (George Lucas) -2005-

2005-06-08T21:27:00.000Z

Final del principio. La película que tanta gente estábamos esperando desde que comenzó a hablarse sobre la idea de George Lucas de hacer los primeros episodios de Star Wars, por fin ha llegado. Si bien es cierto que, de igual forma que ocurrió con “El Señor de los Anillos”, todo el mundo sabía cual iba a ser el desenlace; “Star Wars Episodio III: La venganza de los Sith” ha sido una de las películas más esperadas de los últimos años por dos motivos principales. El primero es que todos esperábamos ver como se ataban los cabos de la trama, no sólo para comprobar si los datos puntuales y diálogos (que muchos nos sabemos de memoria) eran respetados y tenidos en cuenta, sino por verlos materializados en pantalla. El segundo es que después de la decepción que algunos se llevaron con el “Episodio I” y el “Episodio II” (los cuales fueron tildados de infantiles), el “Episodio III” ha sido sometido a un análisis exhaustivo y a una observación microscópica por los miles de fans que pensaron que esta trilogía había sido un error.

Para el que escribe, “Star Wars Episodio III: La venganza de los Sith” es posiblemente una de las mejores películas del año, un film de acción de alta calidad que mejora tanto en argumento como en puesta en escena a los dos primeros episodios de la trilogía pero que no alcanza a ninguna de las entregas de la primera trilogía. Soy de los que piensan que nada de lo que se hiciera en la actualidad podría llegar a acercarse ni por asomo a “Una nueva esperanza”, “El Imperio contraataca” y “El retorno del Jedi”, tres de las mejores películas de la historia del cine. Mientras en la primera trilogía los diálogos, la interpretación, la producción y la realización (en proporción con los medios tecnológicos de la época) fueron brillantes e insuperables; en la nueva trilogía el uso de las nuevas tecnologías es excesivo y los guiones y diálogos (sobre todo cuando habla Anakin) son algo flojos. Quizás sea un claro reflejo de la evolución del pueblo estadounidense desde los 70’s-80’s hasta la actualidad.

En mi opinión, en “Star Wars Episodio III: La venganza de los Sith” se ha perdido mucho tiempo con batallas navales y de sable de luz; y lo verdaderamente importante de la historia como es la transformación de Anakin Skywalker en Darth Vader, la exterminación de los Caballeros Jedi en toda la galaxia, el exilio del maestro Yoda y el maestro Obi Wan Kenobi, y el nacimiento de Luke y Leia, se ha hecho de forma muy acelerada. A pesar de todo, el poder volver a escuchar en el cine la respiración de Darth Vader, el zumbido de un sable de luz, los disparos de un caza, y poder volver a ver a C3PO y a R2D2, a mí personalmente me pone y me pondrá siempre la piel de gallina y siempre será bien recibido.

Que la Fuerza os acompañe.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

El vuelo del Fénix (John Moore) 2004

2005-05-15T11:59:00.000Z

Es una vergüenza que este tipo de bazofias cinematográficas puedan llegar a los cines españoles. Es una vergüenza que una película cueste lo mismo ir a verla al cine o alquilarla en un videoclub, sea buena o sea mala, haya costado mucho hacerla o haya costado poco. Menos mal que a mí personalmente no me ha costado nada ver “El vuelo del Fénix” (no diré públicamente la manera), pero no deja de ser una vergüenza que haya sido anunciada por televisión y que su cartel haya estado colgado más de dos días en marquesinas de autobuses y estaciones de trenes españolas. Al que haga cola para ver una película como esta, más que hacerle pagar entrada se le tendría que hacer pagar multa. Pero bueno, centrémonos en el film.

“El vuelo del Fénix” es la típica película de naufragio aéreo en la que una vez ocurrido el accidente y haber superado exitosamente el aterrizaje forzoso (no sin que antes haya muerto algún miembro de la tripulación), los personajes quedan aislados en un medio natural prácticamente virgen, en el que no funcionan radios ni hay vida humana en muchísimos kilómetros a la redonda. En este caso toda la plantilla de rudos trabajadores norteamericanos (of course) de una explotación petrolífera, naufraga en el desierto del Gobi, en Mongolia. Si en vez de una plantilla de trabajadores de una planta petrolífera y en medio de un desierto de Asia, lo cambiamos por la plantilla de un equipo de rugby en medio de los Andes, obtendremos que en vez de “El vuelo del Fénix” la película se llama “¡Viven!”... Sólo que en el segundo caso el guión está basado en hechos reales y en el primero debe de estar basado en una redacción escrita en el colegio el día de Sant Jordi por algún alumno de segundo curso de educación primaria, adornada con algunos topicazos estadounidenses... El desenlace final no lo voy a contar pero bueno, desde que comienza la película cualquiera se lo puede imaginar. También hay que decir que es un “re-make” de la película homónima dirigida por Robert Aldrich y protagonizada por James Steward en 1965. No he tenido el placer de poder ver la palícula original pero me apostaría mi miembro viril a que es menos ridícula y sonrojante que la nueva versión de 2004. Como casi siempre...

Por lo que respecta a la interpretación de los actores protagonistas, decir que a Miranda Otto se le da mejor montar a caballo por las praderas de Rohan y luchar en los Campos de Pelenor contra el Rey Brujo de Agmar, que interpretar a la propietaria de una planta petrolífera. En cuanto a Dennis Quaid tampoco se le pueden pedir peras al olmo, ya que con esa cara de palo pocas cosas diferentes a esto podrá hacer en el cine.

Lo dicho, una vergüenza de película que no hace más que dar motivos a todos aquellos ignorantes cinematográficos que critican el cine americano en contraposición con el europeo. “El vuelo del Fénix” no es cine americano, es cine basura (como los hay en todos los sitios del planeta). Para mí cine americano es “Ben-Hur”, “La Guerra de las Galaxias”, “Lo que el viento se llevó”, “Casablanca”, etc. Esta mierda no puede ser tratada con el mismo término que todas estas obras de arte que acabo de nombrar.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

La intérprete (Sydney Pollack) 2004

2005-05-15T00:59:00.000Z

Silvia Broome (Nicole Kidman) es una particular intérprete trabajando en la sede neoyorkina de la ONU. Su pasión por la música folklórica de un país africano (en la vida real imaginario), Mubata, la inmiscuirá involuntariamente en un peligro inminente. El lugar, el momento, la persona y el susurro inadecuado son muy peligrosos para la salud de quien lo vive, ve o escucha. Silvia oye y ve algo que no debe y se ve obligada a denunciarlo, con lo cual entrará de lleno en una trama de conspiraciones. Entra en juego Tobin Keller, un agente federal, (Sean Penn) que sin obligación de hacerlo, acabará protegiéndola. Familia, mentiras, tensión, asesinatos e intereses políticos en un guión enrevesado en el pasado de la protagonista y mezclado con la triste “pasión” del terrorismo, confabulaciones y conspiraciones. Todo este aderezo da como resultado un entretenido e intrigante film que como mínimo no deja flemático al espectador, porque eso sí, el espectador se mantiene tenso y en suspense hasta prácticamente el final. Aquellos que vayan atando cabos, lograrán obtener anticipadamente el final.

Nicole Kidman, metida en el ya suyo, rol de mujer fría y de caparazón macizo, si no borda al menos cose muy bien la escenificación personal del miedo escénico y de la ansiedad personificada en todo aquel que estuviera en su lugar. Por supuesto sin perder un gramo de elegancia y clase, para el deleite del espectador. Sean Penn, un hombre hundido, aunque igual de consistente, acaba de recibir un duro golpe, aunque mejor dos. El último de ellos topar con una mujer sencillamente atractiva, misteriosa, inteligente y peligrosa, casi nada. Como no pudiera ser de otra forma hay roce, y donde hay roce hay como mínimo amor y amistad.

Si algo ha sabido llevar bien el laureado director de suspense Sydney Pollack (La Tapadera, Eyes Wide Shut, El Talento de Mr Ripley, Cold Mountain…) es trasladar bien a la pantalla la emoción de la tensión contenida, la angustia y la intriga, sin por ello caer en los típicos banalismos ni predecibles escenas, aunque apoyado en algunas escenas intimistas de la protagonista. Es también de agradecer que uno de los mayores directores de intriga y suspense haya sabido mezclar un romance que se podría calificar de lógico y creíble en las situaciones en que se desarrollan el film.

Bien, un film de intriga y con un argumento sustancioso que no deja decepcionado al salir de la sala, sin que esto suponga que sea un film excelente. Sencillo pero bien llevado; un proyecto basado en su mayoría en un guión firme y sin fisuras, (exceptuando las lógicas invenciones geográficas) con unos personajes bien representados. Disfrutadla, la película claro.

Como detalle, destacar que en la película observamos las primeras escenas grabadas del centro de operaciones de la ONU.

Hugo Nuño

Million dollar baby (Clint Eastwood) 2004

2005-04-16T00:14:00.000Z

El tipo duro de “Harry el Sucio”, “En la línea de fuego”, “La fuga de Alcatraz”, “Mystic River”, “Los puentes sobre el río Madison” y de tantas otras no se ha dejado vencer por el gancho del tiempo. Ha hecho un peliculón en el que ha sabido reflejar muchos de los problemas que nos ocurren más tarde o más temprano en la vida y que a veces solo hay una manera de solucionar, con valentía y a puñetazos. Éstos son de astucia y de sentimiento, de ganas de realizar tus propósitos y de luchar hasta conseguirlos. Esta meta no es fácil si contamos que el cuadrilátero, el de la vida, lucha una mujer, Maggie (Hilary Swank) contra los tópicos de un viejo entrenador de boxeo atormentado por sus errores en la vida y por un amor desmedido hacia su trabajo, Frankie Dunn (Clint Eastwood). Maggie logra ganarse la confianza y el amor paternal a base de esfuerzo, dedicación y con algo de ayuda por parte de Scrap (Morgan Freeman). El apoyo incondicional e inseparable de éste hacia Frankie, viejo amigo y el único que conoce su verdadera forma de ser, hará que el entrenador protector convierta en una estrella del boxeo a su reciente púgil, y que a su vez ésta deslumbre a Frankie. La única regla impuesta es que tanto en el cuadrilátero como en la vida, uno debe protegerse a si mismo en todo momento. Esta regla la incumplen ambos, Frankie y Maggie, y el desenlace de la película refleja los directos que amparan en los destinos de los protagonistas.

A modo de narración por parte de Scrap, Clint Eastwood ha sabido mezclar un guión excelente, escueto y sin complicidades ni comentarios superfluos, con multitud de valores que llevan al público a una creciente tensión y expectación basadas en los logros del esfuerzo y en la fuerza de voluntad. Esta historia no es de boxeo, que se abstengan los amantes de la acción y la sangre gratuita, aquí hay una pasión por el boxeo que para incluso aquellos que jamás lo hayan seguido de cerca les introduce inmediatamente. Pero el boxeo es algo suplementario, no impuesto, podría perfectamente contarse esta historia en cualquier otra atmósfera, es algo que se agradece profundamente y que por ello, llega a todo el público. El final gira profundamente hacia el aspecto más melodramático de la película, en el que de nuevo el valor, el amor y la amistad crean un auge de sentimientos que conmueven a los espectadores en el más absoluto respeto, silencio y admiración.

La interpretación de Eastwood, de tipo duro y sensible, profundamente creyente aunque con serias dudas al respecto y acorazado sentimentalmente del mundo que le rodea, es perfectamente recreado y conjugado por un actor que muestra también su parte más tierna sin tener por ello que soltar una sola lágrima. Hilary Swank, en un personaje entrañable de superación y muestra de coraje ve realizada su profunda admiración hacia Clint, lo cual se refleja contundentemente en el film y se agradece su profunda dedicación y preparación para el papel de boxeadora. Morgan Freeman muestra su lado más natural, y profundo, interpretando el papel de un ex-boxeador que se encarga del gimnasio de Frankie. Pero a su vez es un personaje tierno y afable, aunque justo cuando así debe hacerlo. Narra la historia desde una perspectiva superior y solo se puede entender el porqué, cuando el final de esta increíble película llega a su fin.

Hugo Nuño

La Pasión de Cristo (Mel Gibson) 2004

2005-04-07T00:05:00.000Z

Según se mire puedo poner esta película a parir o quitarme el sombrero. No cabe duda de que para hacer esta producción hay que echarle un par, porque Mel Gibson no necesita mendigar fama con el escándalo. Y mucho menos de esta clase.

La realización es correcta, muy en la línea norteamericana de jugar con la ortodoxia de los planos largos y cortos: planos generales y planos detalle. También hay algún momento de efecto especial para que transitoriamente la película parezca un juego de videoconsola, como es de rigor (pero afortunadamente esto es bastante fugaz). Y la dirección de actores es directamente magistral, si bien me plantea un enorme dilema James Caviezel, ¿cualquier patán hubiera estado bien en un papel tan volcadamente pasivo? Estas son las dos funciones de un director (realización y actores), por lo que le doy un notable a Gibson, quien además no se ponía detrás de la cámara desde la estupenda "Braveheart" (1995).

La versión original con subtítulos forma parte del gran debate en el mundo cinematográfico de hoy. Pero en "La pasión" la coyuntura permite que este rasgo sólo sea digno de aplauso. El realismo y la extrañeza que producen un hebreo y un latín tan conseguidos nos dejan a todos atónitos. Además, la película es tan extremadamente visual, que los diálogos pasan a ser meros mojones orientativos.

Lo escabroso es posicionarse respecto a la moralidad y necesidad de la filmación. No es una película sobre la vida de Jesucristo, sino sobre su muerte, algo que históricamente se ha resuelto vanidosamente con una simple elipsis en los filmes de toda la vida que cada Semana Santa pasan por la tele. Aunque sólo sea por la novedad, la acepto. ¿Pura morbidez de Gibson? Él sabrá. Por primera vez vemos a un Jesucristo con pinta de nativo del lugar y no al manido barbudo cadavérico. ¿Hace falta tal excedente de violencia para hacer avanzar la acción de lo que se narra? Esta es una controversia gorda. Desde el punto de vista del espectador es gore puro y duro. Son dos horas de corazón encogido y continuos apartamientos de mirada. ¿Encierra tanto realismo un arcano intelectual? Decididamente no. No hay segunda lectura, ni simbolismo ni reflexión. Y eso es lo que agradezco de "La pasión" a diferencia de otros proyectos recientes, como las diarreas mentales de Oliver Stone.

Como conclusión, creo que el acierto de Gibson es que se limita a poner toda la montaña de mierda delante de las narices de los espectadores, abriendo una puerta que hasta ahora nadie se había atrevido a abrir. Luego que cada cual medite. Personalmente, yo pienso que el ser humano es brutalmente hijo de puta, que la insensibilidad es el peor de los males, que tan despreciable es el clérigo totalitario como el cura inquisidor con un colgante de Cristo, el centurión romano como el integrista musulmán con grifería de oro, el violador y asesino cruel y sin arrepentimiento como el estadista que sigue firmando penas de muerte y ordena torturas a los presos.

Eduardo Tébar

Corazones en Atlántida (Scott Hicks) 2005

2005-03-05T20:35:00.000Z

Basado en el libro de Stephen King, el film dirigido por Scott Hicks (“Shine”, “Mientras Nieva sobre los Cedros”) y protagonizado por un polifacético y excelente Anthony Hopkins encarnado en el papel de Ted Brautigan un personaje misterioso y al parecer vidente que se autodefine como raro. En su huída del omnipresente cerco de los hombres oscuros y bajos, da a parar en una segunda planta de alquiler de un pueblo tranquilo. En la primera planta vive Bobby Garfield (Anton Yelchin) y su madre Liz Garfield (Hope Davis). Pronto, Bobby y Ted entablarán amistad basadas en unos lazos pseudo-parentales y de pura necesidad. Esta relación transformará por siempre la vida de Bobby y de su amiga Carol Gerber (Mika Boorem).

Contada a modo de flashback por un adulto Bobby Garfield (David Morse), de profesión fotógrafo, y producida por una visita a su casa de la infancia tras la muerte de un amigo suyo de la infancia. Esta visita provoca en él, el recuerdo de esta historia que a pesar de no tener un argumento complicado, sí es eficaz y contundente. Una historia en la que podría prescindirse de la atmósfera premonitoria del protagonista, siempre justo en sus expresiones y con una contundencia en el papel humana y equilibrada, aunque enturbiada por la superficial caracterización de Anton Yelchin, no así de Mika Boorem, creíble y justa.

La idea en sí de catapultar la fuerza de voluntad, la amistad y el amor para que los sueños de un niño sean capaces de abrumar a los problemas del futuro y de marcar su vida, se transmiten claramente con el papel que interpreta Hopkins, y los sentimientos fluyen en la película, aunque enturbiadas por la falta de candidez del infante Bobby, que no logra trasmitir ese aura.

Hugo Nuño

Million dollar baby (Clint Eastwood) 2004

2005-03-05T20:11:00.000Z

Hay algo que caracteriza el cine de Clint Eastwood, y es que por regla general hace grandes ciertas historias que en manos más torpes rozarían lo telenovelesco y lo mediocre. Pero él es pura elegancia, puro clasicismo, no exagera, no carga las tintas. Cualquier indocumentado habría convertido “Million Dollar Baby” en una especie de Karate Kid con conflicto moral de por medio; sin embargo el maestro mantiene el pulso firme, es duro cuando tiene que serlo, y da espectáculo cuando cree que la historia se lo puede permitir. Una vez más se guarda para sí el papel principal, ese personaje que, ya sea desde el rincón de un cuadrilátero, empuñando un rifle, o trabajando de plumilla, siempre se muestra cínico, de vuelta de todo, en principio incapaz de volver a ilusionarse por nada ni nadie, incapaz de sentir. Podemos acusarle de no tener más que un registro, de acuerdo, pero es el mejor en eso. Hillary Swank y Morgan Freeman completan el triángulo protagonista: de Freeman poco hay que decir que no se haya dicho ya; y la señorita Swank vuelve a trabajar en un proyecto decente desde que Boys Don’t Cry la lanzara al estrellato, y es que es una actriz como la copa de un pino que no merece desperdiciar su talento en películas como El Núcleo; pero así está el patio, y esta gente tiene que comer. La construcción que hace de una aspirante a boxeadora, pura basura blanca de algún lugar perdido en los EEUU, es sencillamente soberbia.

Una buena película, como cabía esperar siendo Eastwood quien se sitúa tanto detrás como delante de la cámara; y bastante valiente en su resolución teniendo en cuenta la mojigatería y el puritanismo reinante en los Estados Unidos de Norteamérica.

Enrique Campos

La Pasión de Cristo (Mel Gibson) 2004

2005-02-28T20:17:00.000Z

Es una lástima que pudiendo haber sido la mejor película de la historia de todas las que tratan de la vida y obra de Jesucristo, el señor Mel Gibson sólo haya conseguido hacer la película más violenta y más sangrienta de la historia del cine no-gore y no-serie B. Teniendo al alcance de su mano todas las posibilidades del mundo (presupuesto de superproducción, tecnología cinematográfica, maquillaje de última generación, buen reparto, buena ambientación, buenos decorados, etc.) el film se centra y se recrea en la tortura totalmente excesiva y abusiva al margen de la fidelidad o no con los hechos reales.

Si bien es cierto que absolutamente todo está hecho con una perfección exquisita, que la idea de rodar una única versión en hebreo y latín clásico es magnífica y que el efecto de credibilidad, lástima y compasión han sido perfectamente conseguidos (hasta el punto de haber recibido protestas e indignación por parte de los colectivos judíos... por algo será...), todo esto queda en un segundo o tercer plano para el espectador, que se pierde entre latigazos, golpes, puñetazos, despelleje, rotura de huesos, crucifixiones, sufrimientos varios, lágrimas, sangre, sangre, sangre y más sangre. Eso para el que acabe de verla y no se haya tapado los ojos durante toda la película para no mirar.

Para aquellos que busquen una película sobre la vida de Jesús, “Jesús de Nazaret” o “Rey de Reyes” son sus películas, esta sólo trata la muerte de Jesús.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)